Workshop mit Starfotograf Sergey Romanov & Dedo Weigert



Sergey Romanov [www.sergeromanov.com, zweiter von rechts im Bild oben] gehört seit mehreren Jahren zur internationalen Elite der besten Beauty- und Erotikfotografen. Zahlreiche Auszeichnungen belegen dies ebenso eindrucksvoll wie seine fotografischen Arbeiten für bekannte Hochglanzmagazine und Bildbände.
Die aufwändigen und meist sehr freizügigen Bildkompositionen des Meisters beruhen stets auf künstlerischen Gestaltungskonzepten und einer phantasievoll ausgearbeiteten Bildidee. Zum Team gehören bis zu 10 Personen (Visagisten, Assistenten, Stylisten, Models,…) und natürlich wird zuerst ein phantasievolles Set im Studio aufgebaut. So entstehen hier bis zu fünf fertige Bilder einer Serie pro Tag. Als Lehrmeister und Vorbild nennt Romanov den Renaissancekünslter Caravaggio, dessen ausdrucksstarkes Chiaroscuro, also dem Hell-Dunkel Kontrast in der gestalteten Beleuchtung, praktisch zur Leitlinie der Lichtführung des Fotografen wurde. „Bei anderen Fotografen wollte ich nicht lernen, wenn ich vom Ursprung der Portraitkunst und Lichtmalerei lernen kann.“ sagt Sergey Romanov.

Unvermeidlich war daher die Zusammenkunft zwischen Dedo Weigert [www.dedolight.de] und dem Fotografen Romanov, der in diesem Lichtsystem das ideale Präzisionsinstrument für seine Werke erkannte. „Professionelle Fotografen finden ab einem gewissen Stadium immer zu einem professionellen Equipment. Für mich bedeutet das Kameras und Objektive von Nikon, Mac für die Bildbearbeitung und Präzisionslicht von Dedo.“ führt der Meisterfotograf aus. Die Arbeit mit Dauerlicht gewinnt in Deutschland durch die digitale Fotografie wieder zunehmend an Bedeutung, in anderen Ländern wie Amerika, England, Russland oder der Türkei hat Dauerlicht schon immer einen wesentlich höheren Stellenwert genossen. Dauerlichtsysteme wurden meist seit den 80-ern
-also während meiner Ausbildung- „missbilligend“ entsorgt und durch leistungsfähige Blitzsysteme ersetzt. Dem Fotografen stand damit praktisch eine unbegrenzte Menge an Licht zur Verfügung – ohne lästige Hitzeentwicklung, Farbschwankungen und ständigem Birnenwechsel, für schnelle Verschlusszeiten bei hohen Blendenwerten.

 Die modernen Dedolampen, die an diesem Workshop vorgestellt wurden, entwickelten sich in den letzten Jahrzehnten konstant weiter und haben nur noch wenig gemein mit den heißen 500-Watt Funzeln von damals. Kinderkrankheiten sind längst überwunden, es sind recht angenehmene und leicht zu bedienende Geräte geworden, die sich bei weitem nicht mehr so stark erhitzen, sondern Energie in viel und schönes Licht umsetzen. Gegenüber dem Blitzlicht bietet das Dauerlicht seit jeher in einigen Bereichen große Vorteile. Der Fotograf sieht exakt die Lichtverteilung und Helligkeit, somit können Reflexe, Aufhellung und Spots wesentlich genauer gesetzt werden als bei Blitzgeräten, bei denen man sich auf den adaptierten Eindruck eines Einstelllicht verlassen muss. Durch die frei wählbare Zeit/Blendenkombination kann die Schärfentiefe bei Dauerlicht beliebig gelegt werden, Blitzlicht läßt sich meist nicht mehr weit genug herunterregeln, um so offenblendig zu arbeiten wie es derzeit für viele Aufnahmen von Agenturen gefordert wird. Ein weiterer großer Vorteil, der künftig an Bedeutung gewinnt, ist, dass bei Dauerlicht sowohl Film- als auch Fotoaufnahmen im gleichen Set ohne Umbau gemacht werden können. Immer mehr Kunden und Agenturen benötigen parallel zu Fotoaufnahmen heute für Shopsystem oder Präsentationen hochwertiges Filmmaterial in gleicher Anmutung und Lichtstimmung (wegen des Wiedererkennungseffektes einer Kampagne). Ein Dauerlichtset ist für eine solche Aufgabe die einzige Möglichkeit um a) die Anforderung überhaupt zu erfüllen und b) kostendeckend zu arbeiten. Weiterhin hat Dauerlicht einen eigenen, sehr natürlichen Farbcharakter und entwickelt in der Arbeit mit professionellen System seinen speziellen „Glow“, was gerade digitalen Kameras sehr entgegen kommt. Tatsächlich müssen nach meiner Erfahrung sowohl Produkt- als auch Modeaufnahmen mit Dauerlicht wesentlich weniger retuschiert werden, sowohl in Bezug auf Farbe als auch Hautstruktur -das bestätigt auch Romanov. In der Praxis kann Dauerlicht aber nur zusammen mit professionellen Modellen richtig eingesetzt werden, an eine so starke Beleuchtung muss man als Schauspieler, Model oder Darsteller gewohnt sein, Amateure würden nach kurzer Zeit nur noch halbblind in die Kamera blinzeln. Dauerlicht erkämpft sich mit Sicherheit in den nächsten Jahren wieder die Position als das „beste“ Licht -nach dem Sonnenlicht- für den bildnerisch gestaltenden Fotografen und Filmer.

Der Workshop selbst begann mit einer Einführung in das Thema Licht durch Roman Hoffmann von Dedo Weigert. Dieser trug zwar engagiert und gut ausgearbeitet vor, die Thematik allerdings ist einem ausgebildeten Fotografen zu vertraut um wirklich interessant zu sein. Ob es für den engagierten Amateur tatsächlich etwas gebracht hat, sei dahin gestellt – leider gab´s auch kein Script zum Nachlesen. Fazit aus dieser Einführung: Dedo Weigert bietet im Gegensatz zu Billiganbietern oder älteren Systemen viele professionelle Vorteile und eine ganz andere Lichtqualität. Unliebsame Farbsäume bei Projektionen werden durch saubere, hochtransparente Linsensysteme vermieden. Gefährliche UV-C Schäden werden durch exakte Filterung unmöglich – wobei es zu keinem Farb-/Helligkeitsverlust kommt. Im Übrigen ist das Equipment unglaublich strapazierfähig und handlich klein gebaut. Stürzt der Leuchtkörper (nicht das Vorschaltgerät) ins Wasser, tut er dort sogar weiterhin seine Arbeit. Die eingesetzten Leuchtmittel sind weltweit einsetzbar, ökonomisch, extrem langlebig und weisen ein hohes Farbspektrum auf, was eine natürlich Farbwiedergabe garantiert. Hauptsächlich werden Halogen und HMI Lampen verwendet – letztere stehen als Birnen in Tageslicht und Kunstlicht zur Verfügung und können beliebig im Gerät getauscht werden. Halogenlicht läßt sich über Filter zwar in Tageslicht „verwandeln“, das führt aber zu einem erheblichen Lichtverlust. LED-Beleuchtung steht noch am Anfang und hat den empfindlichen Nachteil der „blaulastigen“ Spetralverteilung, d.h. der Lichtindex liegt weiter unter Glühlampe, Halogen oder HMI. Eingesetzt wird LED deshalb im Moment nur als Kopflicht im Videobereich. Als Masseinheit für die Bewertung einer Lampe ist die Watt-Angabe denklich ungeeignet, da damit nur der Wert für den Stromverbrauch definiert wird. Licht selbst wird bekanntlich in Lumen gemessen – die Effizienz einer Lampe kann demnach nur aus dem Verhältnis Lumen/Watt abgeleitet werden. Dedolights bieten bei verhältnismäßig geringem Verbauch gemäß diesem Index eine phantastische Lichtausbeute.


Als Teilnehmer eines Workshops hätte ich mir gewünscht, dass man statt vieler Theorie ganz praktisch die Bedienung der verschiedenen Geräte und Vorsätze gezeigt hätte. Eine Zusammenstellung von sinnvollem Zubehör für konkrete Arbeitssituationen oder schon der Lampenwechsel wäre nach meiner Meinung wesentlich interessanter für alle Beteiligten gewesen. Etwas stiefmütterlich wurde zum Ende des Vortrages das amerikanische Kino Flo System vorgestellt und mit dem lauten, aber harmlosen (da in Kunststoffröhre geschützten) Zerschmeissen einer Leuchtstoffröhre alle Teilnehmer wieder aufgeweckt. Das Lichtspektrum von Leuchtstoffröhren ist im Übrigen ausgezeichnet zum Fotografieren und Filmen geeignet. Das Vorurteil des Grünstiches alter Röhren ist längst Vergangenheit. So bildet das flächige Licht von Kino Flo in der 4feet oder 2feet Variante eine tolle Ergänzung zum Punkt- oder Spotlicht von Dedolight.


Nach einer interessanten theoretischen Einführung in das Schaffen und die Ideenwelt durch den Fotografen Romanov selbst, die sich im wesentlichen mit dem zur Verfügung gestellten Script deckte, ging es nach der Mittagspause mit der Praxis weiter. Ein ganz besonderes Kompliment geht an dieser Stelle an den Veranstalter, die Firma Photo Universal [www.photouniversal.de] (die sich angenehm zurückhaltend, aber immer für Fragen bereitstehend, präsentierte), für den gesamten Workshop, im Besonderen aber für die ausgezeichnete Wahl der Location. Wer im Raum Stuttgart eine wirklich ausgefallene Location für Trashfotografie oder Fetischfilm sucht, wird hier bestimmt fündig [www.eigenart-seitz.de]. Die Bewirtung an diesem Tag vertraute auf eher Bewährtes wie warmes Leberkäsebrötchen und Butterbrezel, war aber sehr reichlich und rundete mit Lakritze en masse das Geschmacksspektrum zu über 90% ab.

Dass bei diesem Workshop weder an Kosten noch Mühe gespart wurde, bewies zum einen der grossartige und umgängliche Dozent, zum anderen das wirklich reizende Fotomodell Anastacia B. aus Moskau. Aus rechtlichen Gründen darf ich hier zwar keine Einzel- und Grossaufnahmen der jungen Dame zeigen, aber ich kann versichern, dass weder Anweisungen für ein perfektes Posing noch später digitale Retuschen am Körper notwendig waren.
Leider war der Andrang der vieler teilnehmenden Fotografen so gross und vom Veranstalter auch nicht gut organisiert, dass etwas zurückhaltende Naturen wie ich schnell von der wilden Meute abgedrängt wurden. Etliche Kollegen hatten offensichtlich noch nie zuvor eine hübsche Frau vor der Kamera gehabt und mußten jetzt viel nachholen – es sei ihnen gegönnt.

Im ersten Aufbau wurde eine Mischlichtsituation gezeigt, bei der eine Dedolampe für die Grundbeleuchtung diffus eingesetzt wurde, während eine zweite direkt oder mit sogenannten Gobos bestückt für die Ausleuchtung des Models verwendet wurde. Romanov war dabei das sogenannte Lichtdreieck im Gesicht besonders wichtig, um die schönen Gesichtskonturen zu unterstreichen und die Augen zum Leuchten zu bringen. Später wurde nur eine einzige Lampe eingesetzt und ein Licht gezaubert, das sofort an die markante Ausleuchtung von Hollywood Stars erinnnerte. Im zweiten Aufbau gab´s hingegen eine richtig große Licht- und Equipmentschlacht, allein ein halbes Dutzend Dedolights mit Projektionsaufsätzen wurde verwendet um die Lichtakzente im Hintergrund zu setzen. Meine Schnappschüsse vermitteln nur im Ungefähren einen Eindruck von der genialen Wirkung. Das Kino Flo wurde zusätzlich als Konturlicht und Aufhellung eingesetzt und der unvermeidliche Projektionsspot gab wieder das strahlende Augenlicht für das Model, das auf einer alten Werkbank als Püppchen posierte. Sehr gut zur Geltung kam hier der Einsatz von verschiedenen Lichttemperaturen, während nämlich der Hintergrund in warmes Kunstlicht getaucht wurde, verwendetet man für das Model Tageslicht. Zwischen den Praxisterminen und am Ende gab´s noch einen kleinen Crashkurs über Bildbearbeitung bei Beautyfotografie.

FAZIT: am meisten haben mich die Aufnahmen mit nur einer Lampe beeindruckt. Schnelles, intuitives Arbeiten in Location mit beeindruckendem Ergebnis zum relativ günstigen Preis – da wird demnächst wohl eine Bestellung bei Photo Universal eingehen …

Weitere Bilder, Informationen und Videos zu diesem Eintrag unter KreaTV

Fotostudio mit „echter“ Beton Location

Voll auf Beton – Ausbau Fotostudio 2 – Es ist endlich soweit: Das zweite Studio „Bunker“ im 2. UG – als Gegenstück zu unserem reinen Beautystudio im 2. OG – wird derzeit ausgebaut. In den letzten Wochen entstand der erste Foto Set in topaktueller Beton-Optik – meisterlich imitiert von Michael Jotter [www.atelier-jotter.de]. Der aufwendige Set ist ideal für sowohl Filmaufnahmen als auch Fotoaufnahmen und wurde als festes Element in unserem Studio installiert.

Der Hintergrund aus Betonimitat eignet sich sowohl für Produktaufnahmen in den Bereich Werkzeug, Design Objekte oder Kleinmöbel als auch für Mode- und People Shoots. Der Set wird sowohl für Foto wie auch für Filmaufnahmen genutzt und erhält u.a. durch die raffinierte Fenstereinbuchtung immer wieder neue und individuelle Gestaltungsmöglichkeiten. Mehr Info unter http://www.betonimitat.de

Der Aufbau des Betonimitates zog sich über eine ganze Woche hin. Die Wände mussten immer wieder geschliffen und neu verspachelt werden bis sich die exakte glatte Betonoptik als Grundfläche ergab. Die gesamte Oberfläche wurde immer wieder bearbeitet, Löcher gemeiselt und Fugen gefräst oder aufgetragen, Schattierungen, Holzmaserung vom Schalbrett oder Lufteinschlüsse eingefügt, Roststellen aufgetragen, Profile abgeschliffen. Der gesamte Prozess kann wirklich als eine kunsthandwerkliches Meisterleistung bezeichnet werden, wenn man sieht mit wie viel Mühe und Hingabe Herr Jotter kleinste Details solange trimmt bis das Betonimitat „betoniger“ aussieht als eine echte Betonwand.

Hierin liegt der klare Vorteil der Kulisse. Nach meinem ersten Shooting und einigen weiteren Testaufnahmen wird klar, dass das Imitat im Bild tatsächlich besser funktioniert als eine Originalwand aus Beton. Durch die „komprimierte“ Gestaltung und der bewußte Einsatz von Stilmittel wie z.B. die Spuren von Regenwasser, Vertiefungen vom Guss, hervorstehende Kiesel usw. bzw. das genau gesteuerte Fugenbild (die Fugen wurden in den den optimalen Höhen angelegt, damit keine störende Linie durch den Kopf eines Models geht) ist das Imitat in der Bildwirkung wesentlich authentischer und wirkungsvoller als eine echte Wand. Es entspricht einfach viel mehr unserer geistigen Vorstellungen einer typischen Betonwand.

Die Gefahr, dass diese Wand „langweilig“ wird, besteht nicht: Das Material kann z.B. in der Helligkeit und Stuktur beliebig verändert werden, in dem es mit Wasser aus einer Sprühflasche behandelt wird. Gleich beim ersten Shooting – die Wand war wohl noch nicht ganz trocken – gab es kleine Schäden im Beton durch die Absätze des Models. Diese Schäden waren mit etwas Graphit schnell ausgebessert. So verändert sich die Wand ständig und kann bei Bedarf auch nachträglich nochmals durch Herrn Jotter überarbeitet werden z.B. um einem Ausbleichen entgegen zu wirken oder Schäden von Anwendungsaufnahmen (z.B. Betonbohren) auszubessern. Es ist sozusagen ein lebendiges Kunstwerk, das mit der Nutzung und der Zeit immer schöner wird.

Über Ihre Anfragen für diesen Set – ob im Bereich Produktfotografie oder Modefotografie – freuen wir besonders.

Success story Esser Druck by XeroxTDG

Success story Esser Druck by XeroxTDG… denn Leidenschaft macht den Unterschied. 2009 war das Award Jahr für die Druckerei Esser aus Bretten: Sowohl der Innovationspreis der deutschen Druckindustrie, der als Sonderpreis für herausragende Unternehmenspersönlichkeit an Diana Esser verliehen wurde, als auch der Berberich Award für die beste Familendruckerei stehen nun im Regal und dokumentieren eindrucksvoll Qualität und Service dieses Unternehmens. Zudem werden mittlerweile über 75% des Umsatzes der Druckerei mit rein digital erstellten Drucksachen erwirtschaftet. Für XeroxTDG ist diese Leistung eine success story, die als Referenz in einer Fotostrecke abgebildet werden musste – im Mittelpunkt das Flagschiff unter den digitalen Druckmaschinen: die iGen4.


Am Set in der Druckerei – der Drucksaal selbst präsentiert sich aber äußerst übersichtlich strukturiert und angenehm hell ausgeleuchtet – kein Vergleich mit den alten, dunklen Tempeln der Schwarzkünstler, die man noch ab und an findet. Es ist ein angenehmer Arbeitsplatz, optisch in den Logofarben des Unternehmens aufgepeppt – und sehr warm. „Das liegt an der hohen Luftfeuchtigkeit, die etwas an die Tropen erinnert, aber nur so kann das Papier optimal verarbeitet und die Staubbelastung so niedrig wie möglich gehalten werden.“ führt Diana Esser aus.

Genau diesen sauberen, freundlichen und hellen Eindruck will ich in den fertigen Aufnahmen später vermitteln und obwohl noch einige Papierstapel weg gefahren werden, ist schnell klar, dass zusätzlich eine aufwendige Retusche notwendig werden wird. An vielen Stellen sind dicke Kabel sichtbar, die dem Besucher beim Durchgang durch die Räume nicht unbedingt störend auffallen würden, die aber in einem fixen Bild einen falschen Eindruck vermitteln.

Ausleuchtung des Sets – die iGen4 ist genau genommen ein ganzes digitales Druckmaschinen System, das Drucke bis ans Format A2 ermöglicht und das in verschiedenen Konfigurationen aufgebaut werden kann. Das System bei Esser Druck ist ca. 20 Meter lang, beginnt mit den Behältern für verschiedene Papier und Formate und endet in einem Normlichtplatz zur Qualitätskontrolle.

Um sowohl die Halle als auch die Maschine möglichst natürlich und gleichmässig auszuleuchten, verwende ich einen Globe Reflektor. Dies ist eine große, opake Acrylglaskugel, die über einen Blitzkopf montiert wird und das Licht gleichmässig nach allen Seiten abgibt. Zur Modulation der Personen kommt noch ein indirekt angestrahlter Fotoschirm hinzu.
Da der Raum durch HQI-Lampen beleuchtet ist und nur wenig Tageslicht von außen diffuss einfällt, ist der Weissabgleich hier ein Kinderspiel und kann auf 6000 Kelvin eingestellt werden.

Bei diesem Termin habe ich Studioblitzköpfe von Elinchrom mit einer Leistung von 500 Ws dabei, die ich leicht an den vielen Steckendosen vor Ort anschließen kann. Bei einer Location mit weniger Komfort oder ohne Stromzufuhr verwende ich Aufsteckblitzgeräte mit Leitzahl 60 der Firma Nissin. Diese können praktisch überall schnell postioniert werden, haben eine Leistung, die an einen Studioblitz heranreicht und können mit allen herkömmlichen Reflektoren adapiert werden. Bis zu 9 solcher Blitze können übrigens von einem Masterblitz aus einzelnen synchronisiert und in der Leistung geregelt werden.

Make-up & Styling – Frau Esser hat das Angebot von professionellem Make-up und Styling gerne in Anspruch genommen. Dazu war eine Visagistin [ Marlene Prasse @ www.marleneprasse.de ] vor Ort gekommen und hat während meines Aufbaus ein natürliches Foto Make-up geschminkt. Tatsächlich wird kaum noch ein Business- oder Image Portrait ohne fachgerechtes Make-up und Styling gemacht. Dabei geht es nicht um die Veränderung eines Types, sondern vielmehr darum, den natürlichen Eindruck einer Person ins Bild zu transportieren. Kamera und menschliches Auge haben eine unterschiedliche Wahrnehmung von Personen, daher werden z.B. selbst für ein Interview oder eine Diskussionsrunde im TV alle Beteiligten mit besonderem Make-up, das keine optischen Aufheller enthält, grundiert und geschminkt. Selbst wenn das Bild später noch zusätzlich digital überarbeitet wird, bildet ein gutes Make-up die beste Grundlage. Zum einen gelingt die Retusche schneller und zum anderen wird das Ergebnis sicherlich viel authentischer ausfallen als bei einem rein digitalen Make-up.

Digitale Retusche – Die Nachbearbeitung der vielen ausgewählten Motive war aufwendig, aber lohnend. Das Bildmaterial kann nun für Anzeigen, Homepage oder Broschüren optimal eingesetzt werden. Der Eindruck, den ein Besucher in der Druckerei erlebt, wird nun auch im Bild für den Betrachter authentisch „gefühlt“ vermittelt. So ist die Retusche hier kein Mittel um eine Täuschung zu schaffen, sondern ähnlich wie das Make-up dazu notwendig bei der empfundenen Wahrzeit zu bleiben. Für den herzlichen Empfang und freundliche Betreuung in der Druckerei Esser nochmals meinen besten Dank.

Gute Messefotografie – Konzept, Equipment und digitale Technik

Messefotografie vor Ort… Die Präsentation eines Unternehmens auf einer Messe ist stets mit großem Aufwand verbunden – ob in finanzieller und/oder logistischer Hinsicht. Selbstverständlich muss das Ergebnis dann optimal dokumentiert werden.Denn nur so erzielt man den größtmöglichen Gewinn aus so einer kostspieligen Verantstaltung – und welches Unternehmen kann es sich erlauben dieses Werbepotenzial nicht vollends und langfristig zu nutzen.

Konzept – Die Fotografie / das Filmen eines Messestandes bedeutet nicht „draufhalten“ und „abdrücken“, sondern ist ganz bestimmten Regeln unterworfen, um den Betrachter bestens zu informieren und jede Verwirrung zu vermeiden. Ich selbst fotografiere und filme regelmässig an verschiedenen Messen für namhafte Kunden.

Zunächst muss durch die Aufnahmen der Standort innerhalb der Messe vermittelt werden. Dazu fotografiere ich Übersichten von Außen und vom Eingangsbereich. Diese Aufnahmen bilden sozusagen den Auftakt der Serie, die dem Konzept nach am besten den geplanten Weg des Besuchers durch den Stand dokumentiert. Um die Serie für den Betrachter interessant zu gestalten, den er soll sich ja alle Bilder durchsehen, wechseln nun in der Folge stets Übersichtsaufnahmen (Supertotale) mit Aufnahmen von Ensembles (Full Shot) und Detailaufnahmen (Close Up) ab. Die Supertotalen werden am besten aus den Sehachsen heraus diagonal gemacht und bilden die Größenverhältnisse ab – durch die Verwendung einer möglichst kurzen Brennweite wirkt der Stand später im Bild wesentlich größer. Für den Full Shot wird ein Ensemble konzentriert ohne störendes Umfeld mit einer Normalbrennweite abgebildet. Das ist natürlich die Lieblingseinstellung der Kunden. Es empfiehlt sich ungbedingt störende Schilder, Aufsteller oder Info-/Preistafel kurz aus dem Set zu nehmen, um den Bildeindruck weiter zu beruhigen. Das Close Up bringt Material(-qualität) und Verarbeitung sowie interessante Details durch den Einsatz eines Teleobjektives ganz gross heraus. Ist ein Bereich dann ausreichend fotografiert, mache ich ein sogenanntes Orientierungsbild (Establishing Shot). Diese besondere Form der Totalen zeigt dem Besucher, dass ein Orts-oder Richtungswechsel in der Serie stattgefunden hat und dient zur besseren Orientierung im Stand. Der Ausschnitt wird dafür aber viel kleiner gewählt als bei der Supertotalen. Die Serie endet mit einem „Rückblick“ in dem idealer Weise das Logo / Firmenname zu sehen ist. Die letzte Info ist ja immer die wichtigste Information, die am längsten im Gehirn haften bleibt. Der Rythmus und die Reihenfolge der Bilder kann natürlich frei variiert werden, das Grundprinzip hat sich allerdings sowohl für Film wie für Fotoaufnahmen bestens bewährt um den Betrachter bis zum Ende interessiert bei der Stange zu halten. Während man bei einer Fotostrecke eher vermeidet – zumindest bei den Full Shots – Besucher zu zeigen, sind Interviews mit den Austellern oder Besuchern beim Filmen ein willkommenes Element, das viel Unterhaltungswert bietet.




Objektive – Auch an das Equipment werden bei der Messefotografie besondere Anforderungen gestellt. Wie wir oben gesehen haben, benötigen wir das gesamte Spektrum an Brennweiten. Sowohl für die Supertotale als auch die Full Shot Aufnahmen sind Shift-Objektive ideal. Der Trend alles möglichst in schrägen Fluchten zu fotografieren und damit künstlich Dynamik zu erzeugen ist (GottseiDank) längst überholt. Wirkungsvoll kann diese fotografische Technik gerne bei reinen Stimmungs- und Detailaufnahmen eingesetzt werden – echte Informationen werden dadurch nicht vermittelt. Bei der digitalen Fotografie kann das Shiften entweder durch entsprechende Objektive (die fachliche Kompetenz vorausgesetzt) oder später in der Nachbearbeitung durch Programme wie Lightroom bzw. spezielle Shiftprogramme vorgenommen werden. Das Shiften ist z.B. bei der Fotografie von Möbeln auf einer Messe ein ABSOLUTES MUSS, da sonst das Fugenbild und die Proportionen verfälscht werden. Nur durch fachgerechtes Shiften werden Linien auch parallel wiedergegeben.

Besonders lichtstarke Objektive sind hingegen der üblich verbreiteten Meinung allerdings nicht zwingend notwendig für eine gute Messefotografie, allenfalls für spontane Schüsse aus der Hand. Wichtigstes Hilfmittel für den professionellen Fotografen ist ein möglichst erschütterungsfreies Kamerastativ für extreme Langzeitbelichtungen. Gerade an gut besuchten Messeständen wird man selten den Luxus haben, dass keine Besucher genau dann vor dem Objekt vorbeigehen, wenn gerade fotografiert wird. Vor und nach dem Messetag ist oft ein Messebauteam am Stand beschäftigt oder die Raumbeleuchtung ist ausgeschaltet. Um also Besucher „auszublenden“ verwende ich als Profi sehr lange Belichtungszeiten, oft sogar über mehrere Sekunden. Das hat zwei Vorteile.

  1. Besucher, die an einem Objekt vorbeigehen, werden praktisch unsichtbar und stören nicht mehr im Bild.
  2. Das Recht am eigenen Bild wird durch diese Technik geschickt umgangen. Würde ein Besucher nämlich scharf abgebildet, muss der Fotograf die (am besten) schriftliche Genehmigung der Person einholen, um das Bild später nutzen zu dürfen. Bei einer Langzeitbelichtung ab einer Sekunde wird in der Regel selbst ein stehender Besucher so unscharf, dass eine Wiedererkennung praktisch unmöglich ist. 

Natürlich will der Aussteller zeigen, dass viele Besucher auf seinem Stand waren. Dazu nehme ich gerne eine Totale mit einer etwas längerne Belichtungszeit auf, damit die einzelnen Personen leicht verschwimmen. Im späteren Bild sieht das immer nach „mehr“ Besuchern aus und die gewollte Unschärfe deutet Bewegung und reges Interesse an.

Lichtequipment – Letzthin habe ich einige Kollegen gesehen, die Ihre riesige Studioblitzanlage mit auf die Messe geschleppt haben und dort dann keine notwendigen Stromanschlüsse vorfanden. Der Einsatz einer leistungsstarken Blitzanlage macht auf einer Messe nur ganz, ganz selten Sinn, da man ja die tatsächliche Lichtstimmung, die der Besucher erlebt vermitteln will. Oft sind Messestände mit einem ausgeklügelten Beleuchtunssystem ausgestattet worden, um bewußte Akzente zu schaffen und „Hingucker“ zu kreieren. Mit Studioblitzen übertönt man diese vorhandene Lichtsituation und nimmt dem Stand damit sein Konzept. Sinnvoll hingegen ist ein sogenanntes Fill Light mit dem man große Kontrast ausgleichen kann und sozusagen die dunklen Schatten mit „Licht füllt“. Studioblitzanlagen lassen sich meist nicht so weit herunter regeln, dass diese minimale und gezielt Beleuchtung möglich ist. Daher verwende ich professionelle Aufsteckblitzgeräte von Canon oder Nissin, die sich bis zu einem 64-igstel der Leistung reduzieren lassen und die ich mit allen möglichen Lichtformern kombinieren kann. Diese Konstellation ist leicht, unabhängig vom Netz und läßt sich praktisich überall schnell postionieren. Beliebster Lichtformer ist dabei der sogenannte Globe oder eine „chinesische Laterne“. Diese Reflektoren geben ein ganz gleichmässiges Licht ab und erhöhen damit nur das vorhandene Helligkeitsniveau ohne gewollte Beleuchtungsakzente zu zerstören. Diese Beleuchtung hat noch weitere Vorteile. Zum einen werden extreme Mischlichtverhältnisse (Halogenstrahler, HMI / HQI Strahler, LED Lichter, einfallendes Tageslicht, …) für das Auge bzw. das spätere Ergebnis gemildert, zum anderen können durch die gleichmässige Lichtabgabe nach allen Seiten perfekte Panoramabilder eines Standes erstellt werden.


Digitale Technik – Adobe Lightroom ist die geniale Entwicklungssoftware für die professionelle Entwicklung digitaler RAW-Bilder. Bei der Interpretation des „Lichtraumes“ eines Bildes kann der Fotograf damit seine gewünschten Einstellungen aller Parameter vornehmen und muss nicht auf die vorgefertigten Profile des Herstellers zurückgreifen. Wer noch einen Schritt weitergehen will, greift am besten zur Filtersammlung von Color Efex Pro der Firma Nik. Diese Filtersammlung enthält neben zahlreichen Effekt-/Farbfiltern auch einige ausgezeichnete Tools zu Steuerung von Kontrasten. Im Gegensatz zur Kontrastkurve bei Adobe Photoshop können hier die Kontraste in den Bereichen Licht, Mitteltönen und Schatten getrennt eingestellt werden. Bei den unten gezeigten Bildbeispielen handelt es sich nicht um die Manipulation der Schärfe, sondern lediglich um die Beeinflussung des Kontrastes in speziellen Helligkeitsbereichen, die zu der deutlichen verbesserten Materialwiedergabe im Bild führen.

Durch andere Tools lassen sich Brillanz, Farbstiche oder Helligkeitsunterschiede schnell und professionell aussteuern. Alle diesen Techniken sind theoretisch auch in Adobe Photoshop möglich, aber mit einem wesentlich höhreren Arbeitsaufwand über viele Masken und Auswahlen verbunden. Mit den Tools von Color Efex kann ich eine perfekte Serie meist ganz ohne die Verwendung von Photoshop direkt aus Lightroom heraus binnen weniger Stunden erstellen. Vergleichbare Ergebnisse in der Materialwiedergabe dauern bei einer Photoshop Bearbeitung um ein Vielfaches länger und sind damit entsprechend teuer. Damit ermöglichst die Verwendung des PlugIn Bilder die lichter sind als der Lichtraum (Lightroom) selbst.


Sobatchka – Neuer Eintrag in meinem WORKBOOK